Donnerstag,
16. April
17:30 Uhr

Amrum

„Ein Coming-of-Age-Film im Schatten des untergehenden Dritten Reichs – zärtlich, klassisch und überraschend bewegend.“ – Deadline

Frühjahr 1945. Während Europa in Trümmern liegt, scheint auf der Nordseeinsel Amrum die Welt noch seltsam intakt. Doch auch hier geht eine Epoche zu Ende.

Im Zentrum von „Amrum“ steht der zwölfjährige Nanning (Jasper Billerbeck), der alles tut, um seine Familie durch die letzten Kriegswochen zu bringen: nachts fischen, tagsüber auf dem Feld arbeiten, Treibholz sammeln – Hauptsache, es reicht zum Überleben.

Was zunächst wie eine raue Insel-Kindheit wirkt, entpuppt sich als vielschichtige Geschichte über Herkunft, Ideologie und das Erwachsenwerden in einer Welt, die moralisch aus den Fugen geraten ist.

Nannings Mutter Hille (Laura Tonke) hält unbeirrbar am Nationalsozialismus fest – selbst als dessen Ende längst absehbar ist. Zwischen familiärer Loyalität, wachsender Zweifel und der Schönheit der Insel beginnt für den Jungen eine schmerzhafte Erkenntnisreise.

Fatih Akin erzählt diese Geschichte mit großer Ruhe und atmosphärischer Kraft. Basierend auf den Kindheitserinnerungen seines Mentors und Co-Autors Hark Bohm verbindet der Film ein sehr persönliches Drama mit einer schonungslosen Frage an die deutsche Vergangenheit: Wie wächst man auf, wenn Ideologie Teil der Familie ist?

Kritik und Publikum lobten besonders die poetischen Bilder der Nordsee, das präzise Ensemble und die ungewöhnliche Perspektive auf das Kriegsende – nicht aus der Sicht von Generälen, sondern aus der eines Kindes. Die Weltpremiere beim Cannes Film Festival 2025 markierte Akins Rückkehr in die offizielle Auswahl des Festivals nach acht Jahren.

Eckdaten
Deutschland, Produktionsjahr: 2025, FSK: 12, Laufzeit: 93 Minuten
Regie: Fatih Akin; Darsteller: Jasper Billerbeck, Laura Tonke, Diane Kruger, Matthias Schweighöfer
Besondere Würdigungen: Weltpremiere im Programm bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes

Donnerstag, 16. April 2026, 17:30 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open Table Talk

Donnerstag,
16. April
20:00 Uhr

22 Bahnen

„Manche schwimmen für die Fitness. Tilda schwimmt, um nicht unterzugehen.“

Genau 22 Bahnen zieht Tilda jeden Tag im Freibad – ihr einziges Ritual, das noch Ordnung in ein Leben bringt, das sonst aus den Fugen geraten ist.

Die Verfilmung des millionenfach gelesenen Romans von Caroline Wahl erzählt die Geschichte einer jungen Frau, die viel zu früh Verantwortung übernehmen musste.

Tilda (Luna Wedler) studiert Mathematik, arbeitet nebenbei im Supermarkt und kümmert sich um ihre kleine Schwester Ida – während ihre alkoholkranke Mutter immer wieder abstürzt. Weggehen wäre die naheliegende Lösung. Doch Tilda bleibt. Aus Pflichtgefühl. Aus Liebe. Und vielleicht auch aus Angst vor dem eigenen Leben.

Als plötzlich Viktor (Jannis Niewöhner) auftaucht, der Bruder eines alten Freundes, gerät ihr sorgfältig austariertes Gleichgewicht ins Wanken. Zwischen Schwimmbad, Kleinstadtfrust und einer unerwarteten Chance auf ein neues Leben beginnt Tilda zu begreifen, dass Durchhalten nicht immer dasselbe ist wie Leben.

Regisseurin Mia Maariel Meyer gelingt eine atmosphärisch dichte Adaption, die die besondere Stimmung des Romans einfängt: diese Mischung aus Sommerträgheit, Alltagspoesie und emotionaler Wucht. Kritiker loben vor allem die stillen Momente – und Luna Wedlers intensive Darstellung einer jungen Frau, die versucht, gleichzeitig stark zu sein und endlich frei zu werden.

Eckdaten
Deutschland, Produktionsjahr: 2025, FSK: 12, Laufzeit: 102 Minuten
Regie: Mia Maariel Meyer; Darsteller: Luna Wedler (Tilda), Jannis Niewöhner (Viktor), Laura Tonke (Mutter), Zoë Baier (Ida)
Besondere Würdigungen: Verfilmung des millionenfach verkauften Bestseller-Romans von Caroline Wahl
Regisseurin Mia Maariel Meyer wurde u. a. für ihre Arbeit an „22 Bahnen“ New Faces Award ausgezeichnet.

Donnerstag, 16. April 2026, 20:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open Table Talk

Sonntag,
19. April
16:00 Uhr

Träum weiter – Sehnsucht nach Veränderung

„Viele Menschen suchen heute nach echten Alternativen – für sich selbst und für die Gesellschaft.“ – Regisseur Valentin Thurn über seinen Film Träum weiter! Sehnsucht nach Veränderung.

Was passiert, wenn Menschen aufhören zu funktionieren – und anfangen zu träumen? In seinem Dokumentarfilm Träum weiter! Sehnsucht nach Veränderung folgt Regisseur Valentin Thurn (Taste the Waste) fünf Menschen, die genau das wagen: Sie steigen aus Routinen aus, stellen ihr Leben radikal in Frage und versuchen, ihre Vision von einem anderen Alltag Wirklichkeit werden zu lassen. Über drei Jahre hinweg begleitet die Kamera ihre Wege – voller Hoffnung, Rückschläge, Zweifel und überraschender Wendungen.

Da ist der Unternehmer, der Wirtschaft neu denken will. Eine Aktivistin, die für eine nachhaltigere Zukunft kämpft. Ein Visionär, der zeigt, wie gemeinschaftliches Leben funktionieren könnte. Der Film beobachtet diese Menschen mit großer Nähe und ohne moralischen Zeigefinger. Statt fertiger Antworten liefert er etwas viel Wertvolleres: Inspiration.

Mit ruhiger, präziser Handschrift erzählt Thurn von Mut, Idealismus und der einfachen, aber radikalen Frage: Was wäre, wenn wir unsere Träume wirklich ernst nehmen würden? Träum weiter! Sehnsucht nach Veränderung ist kein Film über Utopien – sondern über Menschen, die versuchen, sie Schritt für Schritt Realität werden zu lassen.

Deutschland, 2021, FSK: ohne Altersbeschränkung, Laufzeit: 102 Minuten
Regie: Valentin Thurn
Wichtige Mitwirkende / Protagonist*innen: Dagmar Manzel, Van Bo Le-Mentze, Carl-Heinrich von Gablenz, Joy Lohmann

Besondere Würdigung: Der Film knüpft thematisch an Thurns vielbeachtete Dokumentation „Taste the Waste“ an und wurde auf zahlreichen Festivals und im Programmkino als inspirierender Beitrag zur gesellschaftlichen Transformationsdebatte gezeigt.

Sonntag, 19. April 2026, 16:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Vortrag des Berliner Journalisten Rico Grimm (Krautreporter.de). Eine Veranstaltung in Zusammenarbeit mit dem KlimaBündnis im Mühlenkreis e.V.

Donnerstag,
7. Mai
17:00 Uhr

Small Town Girl

Top-Line

Info

Donnerstag, 7. Mai 2026, 17:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open-Table-Talk

Donnerstag,
7. Mai
20:00 Uhr

Der Held vom Bahnhof Friedrichstraße

„Lange hat es keine so witzige, melancholische, versöhnliche Komödie gegeben wie ‚Der Held vom Bahnhof Friedrichstraße‘.“ – Hanns-Georg Rodek, WELT über Wolfgang Beckers Abschiedsfilm.

In dieser herzerwärmenden Tragikomödie trifft die deutsche Erinnerungskultur auf verblüffend moderne Satire: Micha Hartung, ein abgebrannter Berliner Videothekenbesitzer, wird siebenunddreißig Jahre nach dem Mauerfall plötzlich zur „Legende“.

Ein ehrgeiziger Journalist deutet eine unbedeutende Begebenheit aus dem Sommer 1984 als Dramatik, Hartung als Drahtzieher einer angeblichen Massenflucht aus der DDR – und schon ist aus einem Normalo ein gesamtdeutscher Held geworden.

Regisseur Wolfgang Becker, bekannt durch Good Bye, Lenin! schafft mit dieser Geschichte eine liebevoll ironische Auseinandersetzung mit Erinnerung, Mythos und Wahrheit.

Die Grenze zwischen Fakt und Fiktion verschwimmt, wenn Hartung in Talkshows eingeladen wird, eine geplante Verfilmung seiner vermeintlichen Heldentat ansteht und sogar eine Romanze mit der klugen, charmanten Paula (Christiane Paul) aufkommt – alles getragen von einem Ensemble, das pointiert und sympathisch spielt.

Der Film ist nicht nur ein kluger Blick auf deutsche Erinnerungskultur, sondern auch ein würdiger, warmherziger Abschied von Becker selbst, der das Projekt vor seinem Tod 2024 begonnen und dessen Arbeit sein Team sensibel vollendet hat.

Deutschland, 2025, FSK: ab 6 Jahren, Laufzeit: ca. 112 Minuten.
Regie: Wolfgang Becker & Achim von Borries; Darsteller: Charly Hübner, Christiane Paul, Leon Ullrich, Leonie Benesch
Besondere Würdigungen: Der letzte Film von Wolfgang Becker, vielfach als herzerwärmender, kluger Beitrag zur deutsch-deutschen Filmkultur hervorgehoben.

Donnerstag, 7. Mai 2026, 20:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open-Table-Talk

Freitag,
8. Mai
19:00 Uhr

The Price Of Everything

„A fascinating look behind the opaque curtain of the contemporary art world.“ The Hollywood Reporter

Was ist Kunst wert – und wer legt diesen Wert fest? The Price of Everything geht genau dorthin, wo Ästhetik auf Marktlogik trifft.

Der Film öffnet Türen zu Galerien, Auktionshäusern und Ateliers und zeigt ein System, in dem Preise nicht nur entstehen, sondern gezielt gemacht werden.

Regisseur Nathaniel Kahn beobachtet präzise und ohne Pathos: Wie wird ein Künstler zur Marke? Wer steuert Nachfrage? Und was passiert mit der künstlerischen Idee, wenn sie zur Investmentklasse wird?

Der Film profitiert von außergewöhnlichem Zugang zu zentralen Akteuren des globalen Kunstmarkts.

Mit Protagonisten wie Jeff Koons, Larry Poons und dem Sammler und Mäzen Stefan Edlis (sowie Marktinsiderin Amy Cappellazzo) entsteht ein dichtes Bild eines Systems zwischen Leidenschaft, Status und Spekulation.

Die Kritik war überwiegend positiv, insbesondere für die Nähe zu den Entscheidern und die differenzierte Darstellung eines oft intransparenten Marktes.

USA, 2018, Laufzeit: 98 Min., FSK 0, Original mit deutschen Untertiteln
Regie: Nathaniel Kahn
Mit: Jeff Koons, Larry Poons, Amy Cappellazzo, Stefan Edlis
Premiere beim Sundance Film Festival 2018

Freitag, 8. Mai 2026, 19:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Unser innovatives Format „Digitale Galerie“: Der Mindener Künstler Joachim Guhde zeigt Abstrakte Fotografie und präsentiert sie live auf der Bühne. Hier im Video unten eine kleine, sehr coole Preview …

Sonntag,
10. Mai
17:30 Uhr

DJ Ahmet

Top-Line

Info

Sonntag, 10. Mai 2026, 17:30 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open Table Talk

Sonntag,
10. Mai
20:00 Uhr

Sentimental Value

Top-Line

Info

Sonntag, 10. Mai 2026, 20:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open Table Talk

Donnerstag,
11. Juni
20:00 Uhr

Rose

Silberner Bär für Sandra Hüller „…zugleich das Unwahrscheinliche und das Beredsame ihrer Maskerade sichtbar…“ Frankfurter Allgemeine Zeitung über Sandra Hüller

Ein Fremder kommt ins Dorf. Und plötzlich steht alles auf dem Spiel. Rose ist ein Historienfilm – aber keiner, der sich in Kostümen verliert. Regisseur Markus Schleinzer erzählt eine Geschichte über Identität, Macht und die brutale Logik von Gemeinschaften.

Im Zentrum: eine Figur, die es so eigentlich nicht geben darf. Rose, Soldat im 17. Jahrhundert, beansprucht ein Erbe – und einen Platz in einer abgeschotteten Dorfgemeinschaft. Was niemand weiß: Hinter der Uniform steckt eine Frau, die sich eine neue Existenz erschwindelt. Ein riskantes Spiel, das immer enger wird.

Sandra Hüller macht daraus ein Ereignis. Ihre Darstellung wurde bei den Internationalen Filmfestspielen Berlin mit dem Silbernen Bären ausgezeichnet – zu Recht. Sie spielt nicht Verkleidung, sondern existenziellen Druck: den Wunsch, jemand sein zu dürfen, den die Welt nicht vorsieht.

Formal bleibt Schleinzer radikal: reduzierte Dialoge, strenge Bilder, maximale Spannung im Blick der anderen. Die Kritik reagierte entsprechend stark – der Film führte sogar den internationalen Kritikerspiegel an.

Ein Film wie ein Experiment am offenen Herzen: kühl, präzise – und lange nicht vorbei, wenn er endet.

Österreich/Deutschland, 2026, Laufzeit: 93–94 Min., FSK: 12
Regie: Markus Schleinzer; mit: Sandra Hüller, Caro Braun, Robert Gwisdek, Godehard Giese
Auszeichnungen: Silberner Bär – Beste Hauptrolle für Sandra Hüller, Berlinale 2026
Nominiert für den Goldenen Bären (Wettbewerb)

Donnerstag, 11. Juni 2026, 20:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open Table Talk

Donnerstag,
8. Januar 2026
17:30 Uhr

Manche mögen’s falsch

Originale am Fließband – ein Film über die Illusion von Kunst

Dafen, ein Stadtteil von Shenzhen, gilt als Welthauptstadt der Gemäldekopie. Hier entstehen jeden Tag tausendfach Van Goghs, Monets und Picassos – gemalt von hochqualifizierten Kunsthandwerker:innen, die den Kunstmarkt am Laufen halten und zugleich untergraben.

„Manche mögen’s falsch“ geht mitten hinein in dieses Paradox. Der Film beobachtet Maler:innen, Händler, Zwischenhändler – Menschen, deren Lebensunterhalt davon abhängt, dass Originalität simuliert wird.

Statt moralischer Empörung setzt der Film auf Präzision. Er fragt, was ein Original heute noch wert ist, wenn Perfektion reproduzierbar wird. Und er zeigt, wie globaler Kunsthandel, westliche Sehnsüchte und chinesische Arbeitsrealitäten ineinandergreifen.

Besonders stark ist der Film dort, wo er die Grenze zwischen Kunst und Handwerk, Kreativität und Akkordarbeit verschwimmen lässt. Dafen erscheint nicht als exotische Kuriosität, sondern als Spiegel einer globalisierten Kulturindustrie, in der Authentizität zur Marke geworden ist.

Ein Film für ein Publikum, das sich nicht mit schnellen Urteilen zufriedengibt. Klug montiert, ruhig beobachtend, mit feinem Gespür für Zwischentöne. „Manche mögen’s falsch“ ist weniger Enthüllung als Einladung zum genauen Hinsehen – und zum Zweifel an liebgewonnenen Gewissheiten über Kunst, Wert und Wahrheit.

Deutschland / China (Ko-Produktion), LZ ca. 94 Minuten, FSK: ohne Altersbeschränkung (ab 0), Regie: Stanisław Mucha, Drehbuch/Konzept: Stanisław Mucha, Michael Mucha

Donnerstag, 8. Januar 2026, 17:30 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Offener Film-Talk im Foyer

Donnerstag,
8. Januar 2026
20:00 Uhr

Maria Reiche – Das Geheimnis der Nazca-Linien

Nicht nur Linien, sondern eine Frau, die die Welt herausfordert

Maria Reiche – Das Geheimnis der Nazca-Linien erzählt die Geschichte einer Frau, die sich weigert, klein gemacht zu werden. In den 1930er-Jahren verlässt die deutsche Mathematikerin Maria Reiche Europa und findet sich in der peruanischen Wüste wieder – an einem Ort, den niemand ernst nimmt und der doch alles verändert.

Zwischen Staub, Einsamkeit und Skepsis entdeckt sie die monumentalen Nazca-Linien und erkennt: Diese Zeichen sind kein Zufall, sondern ein hochkomplexes System.

Der Film rückt Maria Reiche konsequent ins Zentrum – nicht als exzentrische Forscherin, sondern als radikal eigenständige Frau. Eine, die sich gegen männliche Autoritäten, koloniale Blickregime und institutionelle Ignoranz behauptet. Ihre wissenschaftliche Arbeit ist untrennbar mit persönlichem Einsatz verbunden: Reiche opfert Sicherheit, Gesundheit und Anerkennung, um etwas zu bewahren, das größer ist als sie selbst.

Regisseur Damien Dorsaz inszeniert diese Lebensgeschichte ruhig, konzentriert und mit großer Nähe zur Hauptfigur. Die Wüste wird zum Resonanzraum einer weiblichen Beharrlichkeit, die sich nicht erklären will, sondern handelt. Kein Heldenkino, kein Mythos – sondern ein präzises Porträt über Wissen, Ausdauer und Selbstermächtigung.

Ein Film für ein Publikum, das Kino als Denkraum begreift. Und für alle, die wissen wollen, warum wissenschaftliche Neugier manchmal Mut verlangt – und warum Fortschritt oft eine weibliche Geschichte hat.

Deutschland / Frankreich / Schweiz, 2025 FSK: ab 6, LZ: ca. 99 Minuten, Regie: Damien Dorsaz
Darsteller: Devrim Lingnau (Maria Reiche), Guillaume Gallienne (Paul D’Harcourt), Olivia Ross (Amy) u. a.

Donnerstag, 8. Januar 2026, 20:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Offener Film-Talk im Foyer

Freitag,
9. Januar 2026
19:00 Uhr

SPECIAL: Kurt-Tucholsky-Soirée zum Geburtstag des berühmten Autors

Einen Abend lang feiern die Kurt Tucholsky-Gesellschaft e.V. und das Kleine Kino am Weingarten einen Autor, der bis heute hell brennt: Kurt Tucholsky. An seinem Geburtstag laden wir zu einer heiteren Soirée ein, die den Witz und die Menschlichkeit des Autors lebendig erleben lässt.

„Satire darf alles.“ Dieser Satz aus Die Weltbühne ist bis heute ein Auftrag: hinsehen, einmischen, unbequem bleiben. Denn Tucholsky wusste: „Nichts ist schwerer, als sich in offenem Gegensatz zu seiner Zeit zu befinden.“ Umso mehr feiern wir den legendären Autor – und die Freude am Denken, Lachen, Streiten.

Tucholsky als Rotwein-Liebhaber, Tucholsky als Mensch der Leidenschaft und Liebe – den Frauen ebenso zugewandt wie dem messerscharf-analytischen Wort. Die Kurt Tucholsky-Gesellschaft e.V. hat ein Abendprogramm entwickelt, das sich voller Respekt und Anerkennung vor dem Mensch und Autor Tucholsky verneigt und ihn zugleich als brillanten Erzähler leichtfüßiger Unterhaltung präsentiert.

Freitag, 9. Januar 2026, 19:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Offener Talk im Foyer durch die Kurt Tucholsky-Gesellschaft e.V.

Sonntag,
11. Januar 2026
17:30 Uhr

Willkommen um zu bleiben

Ein Hotel, das dich nicht gehen lässt – und ein Magier, der zur Spitze des Irrsinns wird

Willkommen um zu bleiben ist mehr als ein Film über ein seltsames Hotel – es ist ein existenzieller Trip durch die Absurditäten unserer Zeit. Der reisende Magier Mr. K (Crispin Glover) sucht nur eine einfache Übernachtung; was er findet, ist ein Ort ohne Ausgang, bevölkert von skurrilen Bewohner:innen und bizarren Ereignissen, die jede Logik hinterfragen.

Was als mysteriöse Tragikomödie beginnt, entwickelt sich zu einem kafkaesken Drama über Freiheit, Identität und das entfremdete Subjekt im Lauf der Moderne.

Regisseurin Tallulah Hazekamp Schwab lässt das Hotel selbst zur Metapher werden: ein architektonisches Denkmal der Endlosschleife, in dem Gänge, Türen und Treppen nicht nur physische, sondern psychologische Grenzen markieren.

Mr. K begegnet einer eigenwilligen Gemeinde von Gästen – vom ewig wartenden Küchenhelfer bis zur Blaskapelle, die aus den Wänden marschiert – und wird zunehmend zur Schlüsselfigur eines unergründlichen Machtgefüges.

Im Zentrum steht Crispin Glover, dessen Präsenz zwischen Alter, Weisheit und unberechenbarer Exzentrik pendelt – ein Magnet für die grotesken und stillen Momente dieses Films.

Statt konventioneller Auflösung serviert Willkommen um zu bleiben ein surreales Puzzle, das lange nachhallt. Ein Werk für ein Publikum, das damit klarkommt, wenn Kino Fragen stellt statt leichtfertiger Antworten.

2024, Niederlande, Norwegen, Belgien. FSK: ab 12 Jahren, Laufzeit: ca. 94 Minuten
Regie/Drehbuch: Tallulah Hazekamp Schwab, Darsteller:innen: Crispin Glover, Sunnyi Melles, Fionnula Flanagan, Jan Gunnar Røise, Bjørn Sundquist, Dearbhla Molloy
Auszeichnungen: Plattform-Award-Nominierung bei den Toronto International Film Festival, Bester Film beim Imagine Film Festival (NL)

Sonntag, 11. Januar 2026, 17:30 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Offener Film-Talk im Foyer

Sonntag,
11. Januar 2026
20:00 Uhr

Dann passiert das Leben

Zweisamkeit im Sog des Lebens: ein Ehepaar sucht sich neu. Anke Engelke und Ulrich Tukur in Bestform

Dann passiert das Leben ist kein lauter Film, sondern einer, der dich in die leisen Risse eines langen Zusammenlebens zieht. Was passiert, wenn Alltag, Routine und festgefahrene Gewohnheiten plötzlich nicht mehr ausreichen? Wie finde ich mich selbst neu, wenn das Leben, das ich kannte, zu entgleiten droht? Neele Leana Vollmar beantwortet diese Fragen mit großer Sensibilität und dem Blick für das Unausgesprochene.

Hans und Rita sind nach über 35 Jahren Ehe keine Figuren aus einem romantischen Drama, sondern aus dem echten Leben. Rita (Anke Engelke) hat sich an klare Rituale geklammert, der Sohn ist ausgezogen, Hans (Ulrich Tukur) steht kurz vor der Pensionierung – und mit ihr die Frage, wofür ein Leben gut ist, das längst in Routine verstrickt ist.

Dann passiert ein schicksalhafter Unfall, der nicht nur den Alltag, sondern auch die Beziehung der beiden auf den Prüfstand stellt. In subtilen, oft komischen Momenten lotet der Film aus, wie Nähe und Entfremdung, Zuneigung und Verletzung nebeneinander existieren können und wie viel Mut es braucht, sich selbst und den anderen wirklich zu begegnen.

Anke Engelke und Ulrich Tukur tragen dieses kammerspielhafte Drama mit einer Kraft, die das Banale des Alltags in existenzielle Fragen verwandelt. Kein Wohlfühlkino, sondern ein Spiegel für alle, die wissen: Liebe zeigt sich oft in den Details.

Deutschland, Österreich, 2025, FSK: ab 6, Laufzeit: 122 Minuten
Regie: Neele Leana Vollmar, Darsteller: Anke Engelke (Rita), Ulrich Tukur (Hans), Lukas Rüppel u. a.

Sonntag, 11. Januar 2026, 20:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Offener Film-Talk im Foyer

Donnerstag,
5. Februar
17:30 Uhr

U Are The Universe

Allein im All – und plötzlich ist menschliche Nähe die radikalste Idee

U Are the Universe ist Science-Fiction, die nicht mit Bombast lockt, sondern mit einem leisen, existenziellen Sog. Nach einer kosmischen Katastrophe scheint der Astronaut Andriy der letzte Mensch im Universum zu sein – gestrandet auf einer Raumstation, umgeben von endloser Stille.

Routine hält ihn am Leben, Einsamkeit frisst sich in jeden Gedanken. Dann ein Signal. Eine Stimme. Ein anderer Mensch. Vielleicht.

Der Film erzählt keine Heldengeschichte, sondern eine zutiefst menschliche. Es geht um Nähe unter Extrembedingungen, um Hoffnung als Entscheidung und um die Frage, was von uns bleibt, wenn alle Sicherheiten verschwunden sind.

Regisseur Pavlo Ostrikov nutzt das Genre als Resonanzraum: reduziert, präzise, überraschend humorvoll. Die Zukunft wirkt hier nicht glatt oder futuristisch, sondern abgenutzt, fragil, glaubwürdig.

U Are the Universe vertraut seinem Publikum. Er erklärt wenig, fordert Aufmerksamkeit und belohnt sie mit emotionaler Tiefe.

Ein Film für Zuschauerinnen und Zuschauer, die Science-Fiction nicht als Flucht, sondern als Spiegel verstehen – und die sich gern auf ein intensives, konzentriertes Kinoerlebnis einlassen.

Ukraine (Ko-Produktion mit Belgien), Erscheinungsjahr: 2024, FSK: 12, Laufzeit: ca. 101 Minuten
Regie: Pavlo Ostrikov, Drehbuch: Pavlo Ostrikov, Kamera: Nikita Kuzmenko
Volodymyr Kravtschuk als Andriy Melnyk, Alexia Depicker als Catherine (Synchronstimme), Leonid Popadko als Robot Maxim (Synchronstimme), Daria Plahtiy als Catherine (im Original)

Auszeichnungen: Spezialpreis für Beste Regie – Filmfestival Cottbus
Publikumspreis – Neuchâtel International Fantastic Film Festival
Mehrere Preise auf Trieste Science+Fiction Festival, HoFF, Leeds und weiteren Festivals (Bester Film/Bester Sci-Fi-Film)

Donnerstag, 05. Februar 2026, 17:30 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Offener Film-Talk im Foyer

Donnerstag,
5. Februar
20:00 Uhr

Mother’s Baby

Wenn Mutterliebe zur Bedrohung wird – und niemand sagen kann, warum

Mother’s Baby ist kein konventioneller Psychothriller – er ist eine seismographische Messung von Angst, Enttäuschung und dem schmalen Grat zwischen Liebe und Verzweiflung.

Die gefeierte Dirigentin Julia hat alles erreicht – außer dem, was ihr die Gesellschaft als „Erfüllung“ verkauft: ein eigenes Kind. Ein innovativer Fruchtbarkeits-Behandlungsmethoden-Versuch bringt sie ans Ziel, doch die Geburt verläuft chaotisch, das Neugeborene wird nach der Entbindung sofort in Obhut genommen und Julia bleibt im Unklaren, was passiert ist.

Als sie es endlich in den Armen hält, ist da nicht nur Liebe – sondern eine unheimliche Distanz, die Zweifel sät und Realität infrage stellt. Was ist real, und was ist die Projektion einer brüchigen Psyche?

Marie Leuenberger trägt diese Geschichte mit einer eindringlichen Mischung aus Stärke und Verunsicherung, während Johanna Moder mit kühler Präzision das scheinbar Alltägliche in klaustrophobische Beklommenheit verwandelt und das Publikum in einen thematischen Sog zieht.

Mother’s Baby spricht Zuschauer an, die Genregrenzen nicht brauchen, um sich von einem Film gefangen nehmen zu lassen – er nutzt die Zwischentöne, die leisen Entgleisungen und die Ahnung von etwas Unaussprechlichem hinter dem perfekten Familienglück.

Österreich, Schweiz, Deutschland, Jahr: 2025, FSK: 12, Laufzeit: 107 Minuten
Regisseur: Johanna Moder, Darsteller: Marie Leuenberger, Hans Löw, Claes Bang, Julia Franz Richter u. a.

Auszeichnungen: Wettbewerb 75. Berlinale (Golden Bear – Nominiert); Goldener Biber beim Biberacher Filmfestival – Gewinner; Five Lakes Film Award – Gewinner; Golden Peacock – Nominierung (IFFI) usw.

Donnerstag, 05. Februar 2026, 20:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Offener Film-Talk im Foyer

Freitag,
6. Februar 2026
19:00 Uhr
Pinball Hall im Foyer ab 17:00 Uhr

Pinball-Night zum Ausflippern: Nichts für Leute, die eine ruhige Kugel schieben wollen

In Zusammenarbeit mit Pinball Multiballs Club Minden: Live-Flippern im Foyer | Film „Pinball – The Man Who Saved The Game“ | Impulsvortrag von Steven Stockey

Solch ein Event gab’s noch nie im Kleinen Kino am Weingarten: Es wird laut, es wird wild – eine Zeitreise in die 70er! Ein Abend zum Ausflippern.

Die wahre Geschichte von Roger Sharpe, der in den 1970ern in New York dafür kämpfte, Pinball von seinem Glücksspiel-Image zu befreien – und damit das Spiel rettete. Ein Film über Mut, Leidenschaft und den Glauben an das, was man liebt.

Der Film Pinball – The Man Who Saved the Game nimmt uns mit in die kultigen Siebziger, zu einer kuriosen Fußnote der Kulturgeschichte, die zu einer Story mit furiosem Finale führt.

Roger Sharpe, ein unruhiger Schreiber mit Faible für Flipper-Maschinen, entdeckt in den 1970er-Jahren ein Gesetz, das genau dieses Flipper-Spielen in New York verbietet. Begründung: Flippern sei illegales Glücksspiel.

Was zunächst wie ein Nerd-Narrativ beginnt, entwickelt sich zu einer überraschend reflektierten Untersuchung von Gesetz, Leidenschaft und dem, was Gesellschaft für „Legende“ hält.

Am 2. April 1976 machte Roger Sharpe den legendären „Called Shot“, der die Mitglieder des Stadtrats von New York davon überzeugte, dass Flipper ein Geschicklichkeitsspiel ist, und der in der Folge zur Aufhebung des Flipperverbots in ganz Nordamerika führt.

Regie und Drehbuch stammen von den Bragg-Geschwistern Austin und Meredith Bragg. Sie erzählen Sharpe’s Weg, der weit über einen Rechtsstreit hinausgeht: Es ist die Reise eines Menschen, der entdeckt, dass seine Obsession – ein Spiel, das für viele nur ein Folklore-Relikt ist – ein Vehikel für Gemeinschaft, Identität und Veränderung sein kann.

Der Film verwebt historische Rekonstruktion mit einer leichten, doch präzisen Erzählweise, die weder in Pose noch in Nostalgie verharrt. Mike Faist verkörpert Sharpe mit einer Mischung aus verletzlicher Neugier und routinierter Coolness, während Crystal Reed als Ellen, eine Künstlerin und alleinerziehende Mutter, dem erzählerischen Herz des Films emotionales Gewicht verleiht.

Pinball – The Man Who Saved The Game feiert nicht nur das Flipperspiel, sondern fragt, was es braucht, um einen kulturellen Schatz zu retten – und wie sehr unser Leben selbst ein einziges Pinball-Manöver sein kann.

USA, 2022, FSK: ohne (deshalb ab 18), Laufzeit: ca. 95 Minuten, Original mit deutschen Untertiteln
Regie: Austin Bragg & Meredith Bragg, Darsteller: Mike Faist, Crystal Reed, Dennis Boutsikaris, Christopher Convery u. a.
Auszeichnungen: Publikumspreis „Best Narrative Film“ beim Three Rivers Film Festival; Overall Audience Choice & Directorial Debut Award beim Heartland International Film Festival; Best Narrative Feature beim Savannah College of Art and Design Savannah Film Festival

Freitag, 6. Februar 2026, 19:00 Uhr (Pinball-Hall im Foyer offen ab 17:00 Uhr)
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Ab 17:00 Uhr Pinball Hall im Foyer. Vier, fünf Flippergeräte zur kostenlosen Nutzung vor Ort (Spenden willkommen): u.a. ein Bally „Old Chicago“ aus dem Jahr 1976 und ein aktueller „King Kong LE“ aus dem Jahr 2025 von Stern Pinball. Mitglieder des Pinball Multiballs Club Minden als Gesprächspartner anwesend. Vor dem Film: Impulsvortrag von Steven Stockey zum Thema Pinball-Gaming. (Kein Flippern während der Film-Vorführung. Flipper-Nutzung nur mit gültigem Kino-Ticket.)

Sonntag,
8. Februar
17:00 Uhr

Triangle of Sadness

Kapitalismus im Deckchair: Schönheit hat ihren Preis – und der ist absurd

Triangle of Sadness ist keine klassische Kreuzfahrtkomödie. Ruben Östlund dreht die soziale Satire so scharf, dass sie im Ohr nachschwingt: ein Luxusliner voller Superreicher, Models und Selbstinszenierungen, die auf den ersten Blick alles haben – bis ein Sturm, ein Seekrankheits-Bankett und schiere Lächerlichkeit zeigen, wie dünn der Lack ist.

Im Zentrum stehen Carl und Yaya, ein Paar aus der Welt der Mode, dessen Beziehung genauso instabil ist wie die Klasse, die sie repräsentieren. Was folgt, ist ein existenzieller Spagat zwischen Kalkül und Chaos, wenn die Hierarchien an Bord buchstäblich kentern und die Überlebenden auf einer einsamen Insel stranden – dort, wo Instagram-Ästhetik keine Währung mehr ist und derjenige das Sagen hat, der Fische fängt, nicht Fotos.

Östlund, schon mit der Goldenen Palme ausgezeichnet, balanciert Humor und Sozialkritik so präzise, dass der Film mehr Spiegel als Gag liefert; Satire, die dich zum Lachen bringt, aber gleichzeitig fragt, wer hier eigentlich zu kurz kommt und warum.

Schweden, Deutschland, Frankreich, UK, USA, Griechenland, Türkei, Schweiz (Co-Produktion), Jahr: 2022, FSK: 12, Laufzeit: 147 Minuten
Regisseur: Ruben Östlund, Darsteller: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Woody Harrelson, Dolly de Leon, Zlatko Burić und weitere

Auszeichnungen: Goldene Palme – Cannes 2022; mehrere Guldbagge Awards (u. a. Bester Film, Beste Regie, Beste Nebendarstellerin); vier Europäische Filmpreise (u. a. Bester Film, Beste Regie, Bestes Drehbuch, Bester Darsteller); Oscar-Nominierungen (Bester Film, Beste Regie, Bestes Originaldrehbuch) sowie zahlreiche weitere internationale Nominierungen und Preise.

Sonntag, 08. Februar 2026, 17:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Offener Film-Talk im Foyer

Sonntag,
8. Februar
20:00 Uhr

Der Salzpfad

Liebe, Träume und der lange Weg zurück – ein Paar findet sich auf neuem Terrain

Der Salzpfad ist kein Wanderfilm wie jeder andere, sondern eine kraftvolle, existenzielle Reise durch Verlust, Liebe und Wiederentdeckung.

Gillian Anderson und Jason Isaacs spielen Raynor und Moth, ein Ehepaar, dem das Leben alles abverlangt: Haus verloren, Zukunft ungewiss, dazu eine ernsthafte Diagnose, die alles infrage stellt.

Statt aufzugeben, schnüren sie Rucksäcke und folgen dem legendären South West Coast Path – einem über 1000 Kilometer langen Küstenwanderweg im Südwesten Englands.

Was folgt, ist weit mehr als eine bloße Survival-Geschichte. Zwischen Klippen, Stränden und windgepeitschten Pfaden entfaltet sich ein Kino über das Verhältnis von Mensch und Natur, über Nähe und Abstand, Würde und Demut.

Die rauen Landschaften werden zur Projektionsfläche innerer Fragen: Was bleibt, wenn man alles verliert? Wo liegt zuhause – im Kopf oder im Herzen?

Regisseurin Marianne Elliott verleiht der wahren Geschichte (nach dem Bestseller von Raynor Winn) einen Rhythmus, der sowohl die Erschöpfung als auch die zarte Schönheit menschlicher Verbundenheit spürbar macht. Der Salzpfad lädt ein, mitzugehen – nicht nur physisch, sondern gedanklich und emotional.

Vereinigtes Königreich, Jahr: 2024, FSK: 6, Laufzeit: 115 Minuten
Regisseur: Marianne Elliott, Darsteller: Gillian Anderson, Jason Isaacs, James Lance, Hermione Norris u. a.
Auszeichnungen: CineMerit Award für Gillian Anderson beim Filmfest München 2025

Sonntag, 08. Februar 2026, 20:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Offener Film-Talk im Foyer

Mittwoch,
25. Februar
18:30 Uhr

The Invasion

Nicht Krieg als Schlagzeile – sondern das Leben, das sich dagegen stemmt

The Invasion ist mehr als ein Dokumentarfilm über einen Konflikt. Sergei Loznitsa, einer der prägnantesten Chronisten des modernen Osteuropa-Kinos, kehrt zehn Jahre nach Maidan zurück und richtet seine Kamera wieder auf die ukrainische Realität – nicht in Form martialischer Schlachtszenen, sondern durch die stille, oft überwältigende Präsenz des Alltags unter anhaltender Bedrohung.

Gedreht über zwei Jahre hinweg, begleitet der Film Menschen in Städten und Dörfern quer durch die Ukraine; Paare, Familien, Arbeiter und Soldaten, die trotz zerstörter Häuser und permanenter Unsicherheit weiterhin lieben, streiten, hoffen und trauern.

Diese Beobachtungen sind ebenso nüchtern wie eindrücklich: Ein Kindergeburtstag neben zerbombten Ruinen, Reparaturarbeiten an einem beschädigten Haus, Gespräche über Zukunftsträume – Loznitsa verweigert einfache Pathos-Formeln und lässt stattdessen die Würde des Normalen sprechen.

Was entsteht, ist ein monumentales Portrait einer Gesellschaft, die sich nicht als Opfer definiert, sondern als Akt der unbeirrbaren Existenz.

Seine Kamera ist kein Kommentator, sondern ein Vermittler menschlicher Resilienz, die in jedem abendlichen Lachen und jeder stillen Träne spürbar wird. The Invasion eröffnet einen Zugang zu einer Realität, die jenseits politischer Schlagzeilen liegt und beim Publikum lange nachhallt.

Hinweis: Wir zeigen den Film mit einer von uns selbst eingebauten deutschen Untertitel-Spur.

Ukraine, Niederlande, Frankreich, 2024, OmU, FSK: ohne, Laufzeit: ca. 145 Minuten
Regisseur: Sergei Loznitsa, Darsteller: dokumentarische Protagonist:innen (Zivilgesellschaft, Alltagsszenen)

Auszeichnungen/Selektionen: Offizielle Auswahl – Festival de Cannes (Special Screening) 2024; Offizielle Festival-Selektionen u. a. Karlovy Vary, BFI London, DocLisboa, Tallinn Black Nights, Nouveau Cinema Montreal.

Mittwoch, 25. Februar 2026, 18:30 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Anlässlich des Jahrestages des russischen Überfalls auf die Ukraine am 24.Februar 2022 zeigen wir in Kooperation mit Pulse of Europe Minden diesen besonderen Dokumentarfilm. Die Veranstaltung beginnt um 18:30 Uhr. Es wird neben dem Film kurze begleitende Beiträge und Gelegenheit zur Aussprache über das Gesehene geben.

Donnerstag,
12. März
17:30 Uhr

Die progressiven Nostalgiker

„So lustvoll anarchisch hat uns eine Zeitreise schon lange nicht mehr um die Ecke gebracht.“ Filmdienst

Stell dir vor, eine Waschmaschine katapultiert dich aus den spießigen 50ern mitten ins digitale 2025 – und plötzlich sitzt die Frau im Chefsessel, während der Mann verzweifelt versucht, Smart-Home-Technik zu bändigen.

Genau das passiert Hélène und Michel Dupuis in „Die progressiven Nostalgiker“, einer charmant rotzfrechen französisch-belgischen Komödie über Rollenbilder, Fortschritt und die wunderbare Relativität von „früher war alles besser“.

Regisseurin Vinciane Millereau verknüpft Zeitreise-Wahnwitz mit scharfem Blick auf Emanzipation, Diversität und die Tücken des modernen Lebens. Elsa Zylberstein strahlt als emanzipierte Hélène, Didier Bourdon sorgt als überforderter Michel für Galgenhumor.

Slapstick trifft auf Sozialkritik: Während Hélène die neue Welt als Chance begreift, kämpft Michel mit virtuellen Assistenten, Rollenverlust und dem Gedanken, dass seine Tochter nicht mehr traditionell heiratet.

Die Besucher feiern die pointierten Gags, die Kritik lobt das Tempo und die Situationskomik – ein Feel-Good-Film, der zum Lachen und Nachdenken zugleich anregt.

Frankreich / Belgien, 2025, FSK: ab 6 Jahren, Laufzeit: 103 Minuten.
Regie: Vinciane Millereau; Darsteller: Elsa Zylberstein, Didier Bourdon, Mathilde Le Borgne, Maxim Foster.
Besondere Würdigung: Abschlussfilm beim Festival du film francophone d’Angoulême 2025

Donnerstag, 12. März 2026, 17:30 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open Table Talk

Donnerstag,
12. März
20:00 Uhr

Father Mother Sister Brother

„Familie ist wie eine alte Kaffeemaschine: Man weiß nie so genau, ob sie gerade vor sich hin blubbert oder kurz davor ist, zu explodieren.“ The New Republic

Jim Jarmusch macht mit Father Mother Sister Brother sein bislang intimstes Werk seit Jahren: eine fein getextete, zugleich witzige und melancholische Triptychon-Erzählung über das, was uns alle ein Leben lang begleitet – Familie.

Drei Geschichten, drei Orte, drei Arten von Nähe und Distanz. Im nordöstlichen New Jersey besuchen zwei entfremdete Geschwister ihren wortkargen Vater (Tom Waits) und stolpern dabei durch unausgesprochene Erinnerungen.

In Dublin trifft eine Tochter (Cate Blanchett) auf ihre beherrschende Mutter (Charlotte Rampling) und muss sich zwischen Zuneigung und Emanzipation entscheiden. In Paris kehren Zwillinge nach dem Tod der Eltern ins alte Appartement zurück und entdecken, wie wenig sie wirklich voneinander wissen.

Jarmusch bleibt seiner ruhigen, fast musikalischen Erzählweise treu: Beobachtungen statt Pathos, leise Situationskomik statt lauter Gags. Father Mother Sister Brother lotet die Risse und Verbindungen zwischen Generationen mit einem Ensemble aus Stars und unverkennbarer Handschrift des Regisseurs aus – witzig, zärtlich, schmerzlich echt.

USA, Irland, Frankreich, 2025, FSK: 12, Laufzeit: ca. 110 Minuten.
Regisseur: Jim Jarmusch; Darsteller: Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett
Auszeichnungen: Goldener Löwe – Bester Film bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig 2025

Donnerstag, 12. März 2026, 20:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open Table Talk

Donnerstag,
19. März
19:00 Uhr

Fräulein Stinnes fährt um die Welt

„Ich heiße Stinnes und fahre im Auto um die Erde. Noch Fragen?“ – dieses lakonische Bekenntnis der echten Clärenore Stinnes fasst das Lebensgefühl dieses Films perfekt zusammen: eine Frau, ein Adler-Auto und der ganze Planet als Wagnis. Filmdienst

Fräulein Stinnes fährt um die Welt ist mehr als ein biografisches Abenteuer – es ist ein Kinoappell an Entdeckergeist, Emanzipation und die berauschende Unberechenbarkeit des Lebens.

Regisseurin Erica von Moeller verwebt in ihrem Dokumentarspielfilm aus dem Jahr 2009 Archivaufnahmen der historischen Weltreise mit kunstvoll inszenierten Spielszenen und schafft so ein facettenreiches Porträt einer Frau, die 1927 als erste Menschheit mit einem Serienauto die Erde umrundete.

Im Mittelpunkt steht Clärenore Stinnes (Sandra Hüller), eine junge Rennfahrerin und Industriellentochter, deren Entschlossenheit sie durch Sibirien, Wüsten, Gebirge und über Kontinente führt. Begleitet wird sie vom schwedischen Kameramann Carl-Axel Söderström (Bjarne Henriksen), dessen Originalaufnahmen das Herzstück des Films bilden.

Die filmische Mischung aus abenteuerlicher Road-Movie-Erzählung, authentischem historischen Material und der Charakterstudie einer Frau, die sich gegen die Konventionen ihrer Zeit auflehnt, macht Fräulein Stinnes fährt um die Welt zu einem einzigartigen Erlebnis.

Besonders stark ist die Darstellung des Wandels: aus dem sorglosen Abenteurer wird eine Persönlichkeit, die durch Herausforderungen und Entbehrungen reift und am Ende als Symbolfigur unserer Zeit stehen könnte.

Deutschland, 2009, FSK: ab 6 Jahren, Laufzeit: ca. 90 Minuten.
Regisseur: Erica von Moeller, Drehbuch: Sönke Lars Neuwöhner, Darsteller: Sandra Hüller, Bjarne Henriksen
Besondere Würdigung: Der Film nutzt vollständig erhaltenes Original-Film- und Foto-Material der historischen Expedition und wurde vielfach im Kino und auf Festivals als bemerkenswerte Verbindung von Dokumentar- und Spielfilm gewürdigt.

Donnerstag, 19. März 2026, 19:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Impulsvortrag von Architektin Astrid Engel über die denkmalgeschützte Hugo-Stinnes-Tankstelle in Minden-Hahlen.

OSTERMONTAG
6. April
19:00 Uhr

BETTER MAN – Die Robbie Williams Story

„Ein mitreißendes, ungewöhnliches Porträt eines Popstars.“ BBC – „So haben Sie Robbie Williams noch nie gesehen.“ Empire – „Ein Biopic, das sich traut, neue Wege zu gehen.“ Screen Daily – „Unterhaltsam, ehrlich und überraschend berührend.“ Variety

Ein Biopic, das sich weigert, ein klassisches Biopic zu sein: Better Man erzählt die Geschichte von Robbie Williams – aber nicht als glatte Erfolgschronik, sondern als wilder, oft schmerzhafter Trip durch Ego, Absturz und Selbstzweifel.

Der Clou: Williams wird über weite Strecken als CGI-Affe inszeniert. Keine Spielerei, sondern ein ziemlich kluger Kommentar auf Selbstbild, Fremdwahrnehmung und den Zirkus Pop.

Vom Aufstieg bei Take That über den Soloruhm bis zu Drogen, Abstürzen und dem permanenten Kampf mit sich selbst – der Film zieht keine Hochglanzfolie drüber.

Regisseur Michael Gracey (The Greatest Showman) inszeniert das als energetisches, visuell mutiges Musical-Drama, das zwischen Größenwahn und Selbsthass pendelt.

Die Resonanz: international viel Aufmerksamkeit, gerade wegen der formalen Radikalität. Gelobt werden Inszenierung, Mut und emotionale Offenheit; diskutiert wird, ob die Affen-Metapher genial oder irritierend ist.

Klar ist: Das Ding bleibt hängen – und hebt sich wohltuend vom üblichen Musiker-Biopic-Einerlei ab.

Großbritannien / Australien; 2024; FSK: 12, LZ: ca. 130 Min.
Regie: Michael Gracey; Darsteller: Jonno Davies, Robbie Williams (Stimme), Steve Pemberton, Alison Steadman

Ostermontag, 6. April 2026, 19:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open Table Talk und unsere Saalwette
Das Kleine Kino am Weingarten wettet, liebe Ladys, dass Ihr es nicht schafft, dass drei Viertel (75%) des Publikums Frauen sind. Falls Ihr es schafft: drei Viertel Frauen im Publikum – dann lädt Euch das Kino anschließend zu einem Glas Prosecco ein. (Ja, es gibt auch Wasser oder Schorle oder Bier …)

Sonntag,
12. April
17:30 Uhr

Astrid Lindgren – Die Menschheit hat den Verstand verloren

„Ein eindrückliches Porträt, das Astrid Lindgren als kluge Chronistin des Zweiten Weltkriegs und mutige Feministin zeigt.“ – epd Film

Die meisten kennen Astrid Lindgren als Erfinderin von Pippi Langstrumpf, Michel oder Ronja Räubertochter. Doch dieser Film zeigt eine andere, überraschend aktuelle Seite der weltberühmten Autorin. „Astrid Lindgren – Die Menschheit hat den Verstand verloren“ blickt hinter die Kinderbücher – und hinein in eine Zeit, in der Europa im Krieg versinkt.

Am 1. September 1939 beginnt Lindgren ein Tagebuch. Während Hitler Polen überfällt und die Welt ins Chaos stürzt, notiert die junge Mutter aus Stockholm ihre Gedanken über Politik, Gewalt, Angst und Menschlichkeit. Diese Kriegstagebücher – jahrzehntelang verborgen – bilden das Herz dieses außergewöhnlichen Films.

Regisseur Wilfried Hauke verbindet Archivmaterial, dokumentarische Gespräche mit Lindgrens Familie und atmosphärische Spielszenen zu einem eindringlichen Porträt einer Frau, die lange vor ihrem literarischen Welterfolg eine hellsichtige Beobachterin ihrer Zeit war.

Schauspielerin Sofia Pekkari verkörpert Lindgren in den szenischen Passagen mit großer Zurückhaltung und Intensität. Gleichzeitig kommentieren Tochter, Enkelin und Urenkelin das Vermächtnis der Autorin – und öffnen den Blick auf eine Persönlichkeit, die weit mehr war als eine Kinderbuchikone: eine scharfsinnige Chronistin, frühe Feministin und unerschütterliche Humanistin.

Das Ergebnis ist kein klassisches Biopic, sondern ein hybrider Film zwischen Dokumentation, Zeitgeschichte und persönlicher Erinnerung – und eine Einladung, Astrid Lindgren neu zu entdecken: als Stimme der Vernunft in einer Zeit, in der die Welt den Verstand zu verlieren schien.

Eckdaten
Land: Deutschland / Schweden, Produktionsjahr: 2025, FSK: 12, Laufzeit: ca. 98–103 Minuten
Regie: Wilfried Hauke; Darsteller: Sofia Pekkari, Tom Sommerlatte, Edda Braune, Ida Malene Schütte
Besondere Würdigungen: Weltpremiere bei den Nordischen Filmtagen Lübeck 2025; Kinostart in Deutschland am 22. Januar 2026.

Sonntag, 12. April 2026, 17:30 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open Table Talk

Sonntag,
12. April
20:00 Uhr

Father Mother Sister Brother

„Familie ist wie eine alte Kaffeemaschine: Man weiß nie so genau, ob sie gerade vor sich hin blubbert oder kurz davor ist, zu explodieren.“ The New Republic

Jim Jarmusch macht mit Father Mother Sister Brother sein bislang intimstes Werk seit Jahren: eine fein getextete, zugleich witzige und melancholische Triptychon-Erzählung über das, was uns alle ein Leben lang begleitet – Familie.

Drei Geschichten, drei Orte, drei Arten von Nähe und Distanz. Im nordöstlichen New Jersey besuchen zwei entfremdete Geschwister ihren wortkargen Vater (Tom Waits) und stolpern dabei durch unausgesprochene Erinnerungen.

In Dublin trifft eine Tochter (Cate Blanchett) auf ihre beherrschende Mutter (Charlotte Rampling) und muss sich zwischen Zuneigung und Emanzipation entscheiden. In Paris kehren Zwillinge nach dem Tod der Eltern ins alte Appartement zurück und entdecken, wie wenig sie wirklich voneinander wissen.

Jarmusch bleibt seiner ruhigen, fast musikalischen Erzählweise treu: Beobachtungen statt Pathos, leise Situationskomik statt lauter Gags. Father Mother Sister Brother lotet die Risse und Verbindungen zwischen Generationen mit einem Ensemble aus Stars und unverkennbarer Handschrift des Regisseurs aus – witzig, zärtlich, schmerzlich echt.

USA, Irland, Frankreich, 2025, FSK: 12, Laufzeit: ca. 110 Minuten.
Regisseur: Jim Jarmusch; Darsteller: Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett
Auszeichnungen: Goldener Löwe – Bester Film bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig 2025

Sonntag, 12. April 2026, 20:00 Uhr
Tickets: 8 Euro (ermäßigt: 5 Euro)

Rahmenprogramm: Open Table Talk